点彩派：最早出现于《利维坦》中。原形出自点彩画。点彩画，亦称点彩法或点画法，是19世纪末法国新印象主义（点彩派）的标志性绘画技法，其核心在于使用纯色小点或笔触并置，依靠观者的视觉混合（光学混色）形成丰富的色彩与形象，而非在调色板上预先混合颜料。
技法本质：点彩画是一种通过密集排列未经调和的纯色小点（或短笔触）来构建画面的绘画方法。画家作画时通常不在调色板上混合颜色，而是直接将红、黄、蓝等原色以点状形式精确排列在画布上。
科学原理：其效果依赖于视觉混色（或称光学颜色混合）原理。当观者在一定距离外观看时，视网膜会自动融合相邻的色点，从而感知到新的颜色和明暗过渡，例如并置的蓝色点与黄色点会产生绿色的视觉感受。
艺术流派归属：点彩画是新印象主义（Neo-impressionism）的核心表现形式，该流派因此也被称为点彩派、分色主义或分割主义。它强调基于科学色彩理论的理性分析与严谨构图，追求画面的秩序、和谐与稳定感，有别于印象派更主观、即兴的风格。
理论背景与诞生：点彩画派兴起于19世纪80年代的法国，深受当时光学与色彩科学理论（如谢弗雷尔的色彩对比理论）发展的影响。艺术家们试图以更“科学”的方法来表现光与色。
开创与奠基：法国画家乔治·修拉（Georges Seurat）是该技法的理论奠基者和首要实践者。1884年至1887年，他创作了《安涅尔浴场》，进行了系统的点彩技法尝试。1886年，他展出巨作《大碗岛星期天的下午》，这幅由数十万计色点构成、耗时三年的作品被视为点彩画派成熟的标志和里程碑。同年，艺术评论家费利克斯·费内翁首次用“点彩派”或“科学印象主义”来命名这一团体。
野兽派风格形成的关键探索始于1905年夏天，亨利·马蒂斯与安德烈·德兰在法国地中海沿岸的小渔村科利乌尔共同进行了为期九周的艺术探索，放弃了描述性的色彩，使用未经调和的纯色颜料来直接传达自身感受。1905年秋季，马蒂斯、德兰等画家在巴黎秋季沙龙的一个房间联合展出作品，艺术评论家路易·沃塞勒因其作品色彩的“狂野”表现力，在1905年10月17日的评论文章中首次使用“野兽”一词来形容这群画家，该名称随后被广泛接受，标志着野兽派的正式诞生。
立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。立体主义的发展可分为两个阶段：分析立体主义（约1908-1912年），侧重形体的分解与重构，用色简单；综合立体主义（1912年后），引入拼贴（Collage）等实物材料，强化色彩与综合表现(值得一提，根据环指大师口中信息与环指鸿露口中可以得知，哪怕在环指内部，立体派都是十分冷血的。)
克拉克创作这篇文章的时代确实是一个艺术没落的时代，但他所采用的观点却是一个古老的观点。“绘画已死”这句话1839年就已出现，由法国沙龙宠儿保罗·德拉罗什（Paul Delaroche）首次提出。德拉罗什的这句话后来被证明是错误的，因为在35年后印象派用实力重新定义了绘画，而克拉克重提这句话，依然是错误的。战后的这些年的确出现了一些反绘画的潮流——比如观念艺术、抽象主义、行为艺术、大地艺术以及摄影——但油画这股复古潮流也重新掀起。但是说绘画这门艺术复兴了也不至于：尽管克拉克关于绘画未来的预测很悲观，但他也从来没有完全否定它的未来。英国泰特美术馆近期举办了名叫“太人性的”（All Too Human）的展览，探索二战之后英国绘画艺术的发展。展览的主题是“那些探索人性”的艺术家，即展示从弗朗西斯·培根（Francis Bacon）、卢西恩·弗洛伊德（Lucian Freud）到莱昂·科索夫（Leon Kossoff）、保拉·雷戈（Paula Rego）这些画家是如何将现实主义绘画——本来应该追求冷冰冰的客观性——进行革新并赋予个性的。事实上，绘画对于一些艺术家而言是一种救赎的手段，是让他们战后焦虑思想平静下来的药。莱昂·科索夫不止一次谈到过他之所以喜欢画被战争摧残的破败不堪的伦敦街道，是因为它们让他想到“一种被遗忘已久的，也许从未经历过的微光闪烁的童年记忆，重新发现这些记忆并让绘画照亮它们，可以让他暂时忘记现实的痛苦。”弗洛伊德就没有这么强的存在主义精神，他只是简单地说了一句：“我希望绘画可以有血有肉。”
人体艺术在西方源远流长，原始艺术中的生殖崇拜、古希腊的雕塑以及古典绘画中有无数经典的人体杰作。中世纪禁欲文化的盛行曾使人体艺术陷入停滞，而文艺复兴时期则打破宗教禁欲限制，以神话题材创作推动其突破发展。在中国，20世纪初刘海粟在上海美专开设裸体模特写生课，引发多次社会风波。1988年中央美术学院举办《油画人体艺术大展》，展出130多幅裸体画作，标志着创作禁区被进一步打破。
人体艺术的演进历程既彰显了人类对身体美学的诠释探索，也是不断挣脱文化桎梏、追求精神解放的见证。需特别指出的是，将人体艺术片面理解为单纯展示裸体之美的认知存在误区，其本质在于通过人体媒介进行美学创造与思想表达。自改革开放以来，随着陈醉《裸体艺术论》等学术专著问世，以及故宫人体艺术摄影、黄山人体彩绘等事件引发的公共讨论，中国社会对人体艺术的理解正逐步走向多元化与深层化。
人体艺术摄影的基本特征与定位：它可以是对人体本身的直接刻画进而深入人的本质状态，也可以是利用各种环境揭示人与自然、社会的复杂关系，可以选择不同性别、各种年龄层次的模特儿(当然也包括以自身为拍摄对象)，可以通过任何一种拍摄技法(包括后期的暗房或电脑加工)或写实、或抽象、或变形，将人体样式艺术审美化或社会观念化。
新的观点被迅速传播，并揉人俄国艺术中。这种输入，一方面得益于《艺术世界》、《金羊毛》等前卫杂志的贡献，另外，也通过艺术家们的出国旅行。此外，富有的大收藏家史库金、莫洛佐夫收藏有几百件毕加索、马蒂斯、莫奈、塞尚、梵高、高更等人的作品，这些珍贵的藏品包含了许多诸如马蒂斯的《舞蹈》，《音乐》这样的精品佳作，令艺术家大开眼界。面对俄罗斯的学院式写实绘画传统，年轻的前卫艺术家们有些急不可待。于是在几乎没有过渡得情况下，他们将艺术直接引向纯抽象之路。1913年3月，“靶子画展”展出了首批“辐射主义”作品，这是拉里昂诺夫及其支持者冈察洛娃在绘画的非具象性方面所作的实验。辐射主义使用平行和交错的色线在画面上表达“光的滑动所造成的超时空感觉”以及可称为“四维空间”的印象。拉里昂诺夫将辐射主义看作是立体主义、野兽主义和俄耳浦斯主义的综合体。在对运动和光线的关注方面，它与未来主义也有某些联系。当然，在抽象性方面要比它们彻底得多。辐射主义存在于1911—1914年间，虽然历时短暂，但对其他的俄国前卫艺术家有重要启迪。另一位走得更远的抽象主义者是马列维奇，他所创立的仅他一人的“至上主义”绘画算得上不折不扣的纯抽象艺术。以方形、三角形、圆形等纯粹几何形和单纯黑、白色组构出的画面排除了一切再现因素，纯感觉至上，表现“纯粹的感情”和“单纯化的极限”，从而绘画被一下子推向了非具象的极端。至上主义的第一件作品是1913年的白底子上的黑方块，最后一件作品是1919年的白底子上的白方块，随后马列维奇宣称至上主义结束。马列维奇的至上主义反映了抽象主义绘画最早的理性追求，是以后以几何形为基础的抽象探索的起源。“在该时代，它似乎徒劳无功，但却从中产生出艺术的一个全新方面，而且，一直未枯竭”。除绘画外，俄国前卫艺术还包括雕塑领域的“构成主义”，它以塔特林、加波等人为代表，将雕塑引离了传统的材料和技术，引离了模仿而走上抽象之路。
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